Innholdsfortegnelse for No. 232 i Classica

Attention, risque d’embouteillages. À l’automne, une pluie de nouveautés discographiques va déferler sur le marché, conséquence de longs mois de confinement et de fermeture des salles durant lesquels de nombreux artistes, privés de concerts et plus libres de leur temps, ont abondamment enregistré. On guette ici un Mithridate de haut vol, là deux Pelléas concurrents, sans oublier une offre richissime en symphonique et en musique de chambre. Le label Alpha annonce une augmentation de 20 % de son volume. « On est dans une espèce de bulle, de folie d’enregistrements, constate son directeur Didier Martin, tous les jours des propositions arrivent, et souvent d’excellentes. Tout le monde se bat pour exister. » Président d’Erato et Warner Classics, Alain Lanceron reconnaît lui aussi refuser de nombreux projets et s’inquiète d’un risque…

Janvier dernier, Tokyo: oui, une photo de concert avec du PUBLIC, du vrai, en 2021! Souvenir inouï d’une tournée Goldberg au Japon. Quatorzaine obligatoire pendant Noël et le Nouvel An… mais je ne regrette pas ma première rencontre avec le public japonais! J’aime beaucoup me balader en pleine nature, et prendre des photos insolites… À quelques centimètres du sol, la vision du monde est tout autre. Le Sahara? Non, la dune du Pilat à côté de Bordeaux! Une photo pleine de souvenirs prise au château d’Assas, où j’ai enregistré mon dernier disque, « La Famille Rameau », qui sort ce mois-ci CERTAINS ONT LA PHOBIE DES ARAIGNÉES… MOI, CE SONT LES MESSAGES VOCAUX…! CELA M’ARRIVE DE METTRE PLUSIEURS SEMAINES À LES ÉCOUTER. MAINTENANT QUE VOUS SAVEZ ÇA, ENVOYEZ-MOI PLUTÔT UN…

La voix sera à l’honneur chez Erato à la rentrée: Michael Spyres incarne le rôle-titre de Mithridate de Mozart aux côtés de Sabine Devieilhe, Julie Fuchs, Elsa Dreisig, Cyrille Dubois, sous la direction de Marc Minkowski, puis revêt le costume du « Baryténor », gravé avec l’Orchestre philharmonique de Strasbourg et Marko Letonja. On retrouve Sabine Devieilhe dans un menu Bach/Haendel avec Stéphane Degout, Pygmalion et Raphaël Pichon, tandis que les deux contre-ténors stars de l’écurie Erato s’affrontent à distance, Jakub Józef Orlinski dans « Anima Æterna », et Philippe Jaroussky dans un voyage de Dowland à Barbara en compagnie de Thibaut Garcia. Le guitariste toulousain accompagne aussi Marianne Crebassa, Stanislas de Barbeyrac, Adriana Gonzalez dans la Séguedille. De son côté, Alpha poursuit sa route entouré de fidèles: Vincent Dumestre…

L’Opéra de Paris cultive son rayonnement et diversifie sa cible en exploitant utilement les espaces désespérément vides. À défaut d’accueillir son public, l’institution fait office de studio de cinéma en ouvrant ses portes au tournage du premier film de Claude Zidi Jr., fils du réalisateur homonyme connu pour les productions de l’Aile ou la Cuisse, ou encore des Ripoux. Le propos déjà largement exploité mais pas moins séduisant met en scène la rencontre entre un jeune banlieusard adepte de rap et de hip-hop et Madame Loiseau, professeure de chant qui prend conscience du potentiel de l’élève hors normes. Le contraste entre opéra et rap est incarné par l’acteur en herbe Mohamed Belkhir, bien connu des plateaux de TF1 et des téléspectateurs de l’émission de télé crochet The Voi ce sous…

Alors qu’ils arrivent au Mozarteum de Salzbourg, de jeunes étudiants franchissent un portail magique et se retrouvent sans s’y attendre dans le royaume merveilleux de la Flûte enchantée. Le tournage de cette Magic Flute façon Harry Potter, chantée en anglais, s’est achevé il y a quelques semaines à Munich. Aux côtés de Sabine Devieilhe en Reine de la Nuit, Sarastro aura la voix de l’Américain Morris Robinson, tandis que le Britannique Iwan Rheon, célèbre pour son incarnation du sadique Ramsay Bolton dans Game of Thrones, incarnera Papageno. Sortie sur les écrans en décembre 2022.…

Vestige d’un temps, celui du 78 tours, où les partitions les plus courtes avaient par nécessité la faveur des orchestres et des producteurs de disques? Prélude à un autre temps, celui du microsillon et de ses prodiges techniques, qui plébiscitera ces mêmes partitions pour d’autres raisons, la promesse d’exploits sonores n’étant pas la moindre pour une première génération d’audiophiles? En février 1951, au Kingsway Hall de Londres, Decca et son producteur John Culshaw se trouvent, eux, au milieu du gué: ni contraints par des minutages chiches, ni tout à fait asservis au son pour le son, bientôt une fin en soi pour de nombreux collectionneurs. À vrai dire, cette monophonie-là et ces premiers 33 tours de la série LXT sonnent même un peu étriqués – et, dans le cas présent,…

J’ai fait un rêve. Il se déroulait pendant les nouvelles Années folles que d’aucuns nous promettent après la pandémie. Comme en 1920, le goût des plaisirs régnait sans partage, l’extravagance triomphait, les restaurants, cafés, théâtres et salles de spectacle connaissaient un nouvel âge d’or. Plusieurs musiciens, issus des mei lleurs orchestres français, décidèrent alors de se réunir, une fois par mois, pour donner un grand concert de « musique légère ». Les uns venaient du National, les autres du Philharmonique, de l’Orchestre de Paris et de l’ONDIF – sans oublier Colonne, Lamoureux et Pasdeloup. Comme un siècle plus tôt ces associations populaires, ils remettaient à l’honneur des pages séduisantes qui avaient assuré le succès des Concerts du dimanche: la Danse macabre et la Havanaise de Saint-Saëns, le Divertissement de Casse-Noisette…

À RETROUVER SUR LE CD CLASSICA Non, notre liste s’arrête à 50. 50 références qui ont fait l’histoire – celle du disque, de l’interprétation – hier, aujourd’hui, et qui continueront sûrement. Le critère est précis, mais nous revendiquons une belle part de subjectivité dans cette liste, où les présents s’imposent mais où tant d’absents souffrent déjà de n’y être pas! Resserrer une telle proposition autour de 50 références relève du jeu, du pari intenable. Pourtant la sélection est bel et bien là, choisie, défendue par notre équipe de critiques. Chaque participant a commencé par proposer sa propre poignée de disques selon sa spécialité: deux, trois références, parfois plus. Certains compositeurs revenaient avec insistance, d’autres demeuraient désespérément absents, quand le spectre des interprètes convoquait à peu près toutes les époques. Et puis…

André Gide en avait usé l’imposant jeu de 78 tours, ils lui furent son pain quotidien en musique. Pour quelques générations, les Concertos brandebourgeois gravés au studio d’Abbey Road à l’automne 1935 par les Busch Chamber Players donneront à Bach un visage tangible. Ordre et beauté, sérénité et spiritualité, qui se résument dans le geste ouvert du Cinquième Concerto, la flûte de Marcel Moyse s’enlaçant au violon d’Adolf Busch, Rudolf Serkin conduisant imperturbable ce qui devient une sarabande. La cadence du premier mouvement aura montré le jeune pianiste seul, mesuré, chantant large, feu couvant sous la cendre. Que vienne l’Allegro, il envolera son clavier, fusant les traits, conduisant la danse d’un pas léger où la nature même de son piano se transmue en une quasi-guitare. La ritournelle qu’échangent la flûte…

Quarante-deux ans durant, Lulu, laissée inachevée après la mort de Berg en 1935, ne fut qu’un torso inexplicablement maintenu en l’état par sa veuve. Au disque, en deux actes, deux versions magnifiques avaient permis, avec Böhm live, de découvrir le magnétisme de l’oeuvre, puis, avec Dohnányi et Silja, en mode de pure séduction sonore, de le confirmer. À la mort d’Helene Berg, Friedrich Cerha fut autorisé par Universal à orchestrer l’acte III, rééquilibrant ainsi la forme, et Rolf Liebermann assura triomphalement la création de l’oeuvre désormais complète à Paris, en 1979, avec l’aide de l’équipe glorieuse du Ring du centenaire, Pierre Boulez et Patrice Chéreau. Filmée live – mais, scandale!, jamais éditée, heureusement enregistrée à l’Ircam dans la foulée –, l’intégrale demeure, moment d’histoire suspendu et aune à laquelle mesurer…

J’ai découvert les airs de concert de Mozart relativement tôt dans ma vie de mélomane. J’ai cassé ma tirelire d’adolescent pour me procurer le coffret Decca des « Airs de concert » de Mozart pour Kiri Te Kanawa, qui, je dois l’avouer, m’y a un peu déçu, mais je fus immédiatement séduit par Gruberova. J’ai donc doublé la mise pour m’offrir le coffret Philips où elle chante les airs les plus périlleux, me rendant durablement fan. Mais j’étais un peu frustré par la direction musicale. En 1992, parut l’album que j’emporterais sur mon île déserte. Harnoncourt y dirige le Chamber Orchestra of Europe et Edita Gruberova y est au sommet de son art, visiblement guidée par le chef vers une expressivité exceptionnelle. Mon album préféré parce qu’il est consacré à…

Chostakovi tch est devenu presque aussi populaire que Mahler, au concert comme au disque, et aborder le massif des quinze symphonies en intégrale permet de vivre les soubresauts de l’histoire du xxe siècle, et plus particulièrement l’omniprésence de la peur dans une URSS sous pression. Dans un ascenseur émotionnel épuisant face à un parti soufflant constamment le chaud et le froid, Chostakovitch livre la chronique de la Russie soviétique dans ces oeuvres bourrées de sousentendus, qui jonglent en permanence entre vécu intérieur et événements extérieurs. Cette musique que l’on joue aujourd’hui intellectuelle et distanciée était abordée, du vivant du compositeur, de manière viscérale et caustique. Mravinski, qui n’a pas dirigé toutes les symphonies, reste sans doute le chef qui a percé l’univers chostakovien avec le plus d’acuité, mais c’est à…

Depuis sa résurrection en 1987, Atys est devenu un marqueur de la révolution baroque. Lorsque William Christie, Jean-Marie Villégier et Francine Lancelot recréèrent la tragédie du couple Lully/Quinault à l’Opéra Comique, le public en resta ébahi; le triomphe devint couronnement, et on se demanda bien comment on avait pu ignorer si longtemps une telle merveille. C’est qu’en vérité on retrouvait enfin, grâce aux recherches de Christie et d’une nouvelle génération de musiciens, les clés pour dire, chanter et jouer l’opéra du Grand Siècle. Avec ses choeurs marmoréens, ses monologues à la Racine et ses menuets hautains, Atys dose idéalement tragédie et divertissement, dont la scène du Sommeil au troisième acte constitue l’apothéose. Une forme d’art total, où le théâtre induit le chant, où le drame génère la danse, à moins…

Alors que les pianistes de son époque tâchaient de rendre lisible et droit le labyrinthe faustien qu’est la Sonate de Liszt, Claudio Arrau se livrait, dans son célèbre récital chez Philips, au romantisme brûlant d’une tradition dont il se révélait le dernier héritier. Ardeur et imagination jaillissent dès les octaves fatidiques du début, à la manière d’un Barere ou d’un Horowitz, mais en ne laissant aucune trace d’un sensationnalisme gratuit. La virtuosité est le fil conducteur de la trame narrative, ce que le pianiste défend avec un brio stupéfiant et sans le moindre remords, nous menant d’une allure dantesque jusqu’au sommet vertigineux. Or, cette virtuosité, il la transcende aussi, lui accordant un pouvoir expressif, voire métaphysique, pour déceler la profonde intériorité d’une oeuvre qui n’avait jamais connu une telle spiritualité.…

Vaste fresque symphonique en dix mouvements, la Turangalîla-Symphonie (prononcez « Tourânegheulîlâ ») est l’une des oeuvres écrites après 1945 qui a connu le plus de succès au disque. Dans la notice du présent objet, Olivier Messiaen écrit: « La magnifique version de TurangalîlaSymphonie que viennent de réaliser Myung-Whun Chung, les deux solistes Yvonne et Jeanne Loriod et l’Orchestre de l’Opéra Bastille répond parfaitement à tous mes désirs. Ce sont les bons tempi, les bonnes intensités, les vrais sentiments et la vraie joie! Cette nouvelle version, superbe à tous points de vue, peut être considérée désormais comme la version de référence. » Que dire de plus? Seulement quelques mots. Ce disque est une réunion de bienfaiteurs où l’on trouve l’ondiste Jeanne Loriod face à sa soeur, et épouse du compositeur, la…

Jeu tiré au cordeau, les Hagen renouvellent l’écoute des quatre cycles de quatuors à cordes de Mozart. Dans une discographie jusqu’alors dominée par le lyrisme solaire des Amadeus (DG), la sensualité lumineuse des Italiano (Decca), la grâce juvénile des Talich (LDV) et l’incroyable hauteur de vue des Berg (EMI), le quatuor autrichien bouscule les codes et souligne, par son approche analytique, la modernité de l’écriture du compositeur. Sous les archets homogènes, sublimes de spontanéité, de plénitude et de respiration, les lignes se dessinent, la structure se décante, l’architecture se révèle. Voilà Mozart épuré, nu, inouï, réconciliant le cérébral et l’émotionnel. Le geste captive et retrace l’évolution du maître viennois qui, dans les pas de Haydn, mène le genre du quatuor à cordes jusqu’au firmament, des oeuvres de jeunesse cherchant leur…

Qu’est-ce qui prédestinait le jeuneétudiant en compo sition que j’étais en cette fin des années 1980 à tomber, par ce CD que l’on m’offrit alors, sous le charme de cette musique dont on me disait le plus grand mal? Peut-être qu’en cette période de questionnements intellectuels sur l’avenir du langage musical, la force dramatique et le souf fle incandescent du discours de Tchaïkovski servaient tout naturellement d’antidote en rappelant qu’une musique doit avant tout raconter une histoire. Cette dramaturgie lyrique, Bernstein s’en empare et nous emporte comme s’il écrivait ou improvisait cette musique en temps réel. Et s’il est vrai que Tchaïkovski avait besoin d’asseoir ses oeuvres sur des structures classiques, comme la forme sonate ou tant d’autres, c’est le génie d’un musicien comme Leonard Bernstein de passer au-dessus des…

En 1959, André Cluytens était, avec Munch et Monteux, le chef français le plus reconnu, dont le talent s’imposait en France et à l’étranger. Il s’était fait une spécialité de Ravel qu’il dirigera et enregistrera beaucoup. Samson François (photo) était lui aussi un ravélien, mais d’un tempérament opposé, plus attiré par le versant sombre du compositeur, Gaspard de la nuit plus que Le Tombeau de Couperin. La musique de Ravel résonnait profondément en lui. « C’est un vampire qui me pompe le sang », dit-il un jour. Cette noirceur est ici bien perceptible dans le Concerto pour la main gauche, glaçant et grinçant, avec des cadences pianistiques d’une terrible tension, mais même le Concerto en sol nous révèle un Ravel abyssal, jusque dans les premier et dernier mouvements que l’on…

Lorsqu’en 1930, le gouvernement finlandais décide de financer l’enregistrement des deux premières symphonies de Sibelius (les 3e et 5e suivront dans la foulée), ce dernier n’hésite pas à confier la baguette à son homologue et compatriote Robert Kajanus (photo) dont il apprécie les interprétations plus que toutes autres (avant du moins l’avènement du jeune Karajan). Plutôt que de se contenter d’une lecture servile, le chef s’approprie le texte avec panache, comme en témoigne cette Deuxième Symphonie abrupte et minérale. La prestesse des tempi, la vigueur de l’accentuation, la subtilité des rubatos, le galbe des phrases lyriques et la discipline rythmique caractérisent un discours en constante effervescence. Kajanus convoque les forces telluriques d’un orchestre dépouillé à l’extrême et retrouve en studio la spontanéité du concert. Hélas, son décès en 1933 nous…

Dlurant la guerre froide, l’industrie musicale de l’Ouest savait rendre hommage à l’autre côté du rideau de fer. Ainsi, en 1956, Deutsche Grammophon saisit l’occasion d’une tournée de l’Orchestre philharmonique de Leningrad à Vienne pour mettre en boîte les deux dernières symphonies de Tchaïkovski avec Evgeni Mravinski, le seul chef que Karajan admirait à part lui-même, autocrate incontesté qui restera quelque cinquante ans à la tête de la plus fameuse formation sovi é tique. La technique évoluant rapidement, l’expérience est réitérée en stéréo en 1960 (avec adjonction de la Quatrième captée à Londres), pour un album qui n’a jamais quitté le catalogue depuis. Une forme d’absolu, tel apparaît ce Tchaïkovski limpide comme du Mozart, sans une trace de boursouflure ou de complaisance, au parfait point de rencontre entre verticalité et…

Dès les quatre appuis de l’introduction à My Favorite Things, l’ambiguït é majeurmineur est constante, les ponctuations d’Elvin Jones à la batterie décomposent en triolets parfois brisés, incomplets, une mesure déjà ternaire. Il superpose ainsi une redoutable effervescence rythmique mais toujours swinguante, aux transes incantatoires, aux nappes sonores du saxophone de John Coltrane qui explore avec une ferveur intense toutes les possibilités modales ouvertes par les accords complexes du clavier de McCoy Tyner. Si Everytime We Say Goodbye offre une magnifique improvisation digne de l’album « Ballads », la main gauche du pianiste fait entendre une progression harmonique comparable à celle de « Giant Steps » sur But Not For Me, et Summertime se pare de couleurs orientales. Bref, peu d’oeuvres musicales sonnent de façon aussi immédiatement personnelle alors même…

Quelle fut votre première émotion musicale? J’ai grandi au son des cantiques, mais Pierre et le Loup m’a particulièrement frappée. À l’arrivée du loup (les trois cors), je n’en menais pas large. Et comment oublier la voix de Gérard Philipe? Et la plus récente? Un ami m’a envoyé une vidéo du pianiste argentin Alberto Neuman qui joue Odeon de Nazareth et le commente en français, avec un accent merveilleux. Quelle place occupe la musique dans votre vie? e place très importante. Dans mes souvenirs, au travail, au théâtre, la musique est toujours là. Au cinéma, elle fait cinquante pour cent de la force d’un film selon moi. Jouez-vous ou avez-vous joué d’un instrument? Si non, de quel instrument aimeriez-vous jouer? Je suis nulle. Maman m’a mise au piano pourtant. J’ai…

longtemps encore ce moment historique pour la culture dans lequel la pandémie nous a précipités corps et biens – ne parlons pas trop d’âme. Les plus optimistes bâtissent des futurs merveilleux de musique filmée, en oubliant un gros détail dont il sera bientôt question dans cette chronique. Ils rêvent d’une musique savante accessible à tous, à cet élitisme pour tous dont Jean Vilar, André Malraux et Marcel Landowski furent les acteurs majeurs. Ça fait soixante-dix ans qu’on en rêve et bientôt vingt-cinq que l’on voit cet horizon radieux s’éloigner sous les coups bas de politiques ne sachant plus ce que veulent dire les admirables mots « service » et « public ». Le dernier en date des coups de Jarnac est venu de la municipalité verte de Lyon qui redistribue…

AVEC L’INVITÉ DE LA RÉDACTION JONAS VITAUD*, FABIENNE BOUVET ET MELISSA KHONG De la centaine d’enregistrements recensés pour cette écoute, la plupart datent des quarante dernières années. Or, les Klavierstücke occupent depuis longtemps une place importante auprès des pianistes, même si peu ont pu leur accorder une gravure commerciale. Venant tout droit des vestiges de l’époque Welte-Mignon, une captation sur rouleau signée Artur Schnabel reste une simple curiosité (Tacet, 1905), ne témoignant guère de la finesse que le pianiste dévoilera lors d’un récital en 1942 dont, hélas, seul un extrait nous est parvenu. Un Schubert profondément habité jaillit dans de rares enregistrements dispersés au fil des années 1950 et 1960, de la clarté noble de Demus (DG, 1958), né cent ans après la mort de Schubert, jusqu’au raffinement de Firkušný…

Le London Symphony Orchestra vient d’annoncer la nomination de son chef à partir de 2023: Antonio Pappano prendra la suite de Simon Rattle, qui rejoindra l’Orchestre symphonique de la Radio bavaroise. Quand le Brexit annonce de nombreuses difficultés pour les musiciens britanniques appelés à se produire hors de leurs frontières, le chef anglais entreprend les démarches pour acquérir la nationalité allemande: une « absolue nécessité » à ses yeux. De son côté, Antonio Pappano a exprimé son grand enthousiasme à l’égard du LSO: « La combinaison d’une énergie, d’un flair et d’une virtuosité uniques a toujours distingué cet orchestre. Ma nomination est un rêve qui devient réalité »… une réalité scellée avec la parution en avril des Symphonies n° 4 et n° 6 de Vaughan Williams par la formation londonienne sous…

ÉTÉ EN AVIGNON Le Festival d’Avignon a dévoilé la programmation de sa 75e édition. À l’affiche musicale, Le 66 d’Offenbach ainsi qu’une rencontre entre l’oeuvre de Wagner et l’illustre torero andalou Juan Belmonte. SIGNATURE Plus de quarante ans après Riccardo Chailly, Klaus Mäkelä rejoint la maison de disque Decca qui n’avait pas signé en exclusivité de nouveau chef depuis lors. COCORICO À 33 ans, le chef français Mathieu Charrière a remporté le Concours international de direction de Malte en mars dernier. Sous la protection de Laurent Campellone, il sera invité à diriger l’Orchestre symphonique Région Centre-Val de Loire dès juin prochain. TEST Le 20 mars dernier, 1 000 personnes ont pu retrouver les musiciens de l’Orchestre philharmonique de Berlin à l’occasion d’un concert test destiné à évaluer la faisabilité et l’impact d’un…

Ce n’est pas un sketch – enfin, si. Qui aurait pu imaginer, sauf lors d’une fin de banquet très arrosée, que la fameuse Sarabande de Georg Friedrich Haendel allait inspirer l’un des succès les plus improbables du Top 50? Il faut dire que le fameux classement n’existait pas au moment où le compositeur écrivait, en 1733, sa Suite n° 4 en ré mineur dont elle est tirée. Initialement imaginée pour clavecin, la Sarabande connut bien d’autres versions ultérieures, dont une célèbre transcription pour cordes et basse, signée en 1975 par Leonard Rosenman. Vous la connaissez forcément puisqu’elle a été utilisée pour la bande-son de Barry Lyndon, offrant une nouvelle popularité à Haendel – on ne dira jamais assez à quel point Stanley Kubrick a été un formidable passeur pour la…

Avez-vous lu Alain Duault, le mois dernier? « La force que confère la pulsation de l’art relance toujours cette pendule du destin dans les corps et dans les coeurs. Car hommes ou femmes, nous tous avons besoin de ce “supplément d’âme” qui donne du sens à notre vie. » Mieux qu’« essentielle »: existentielle, la culture, par son absence de toute forme de représentation publique depuis de si longs mois, nous a fait cruellement défaut. C’est toujours Alain Duault qui souligne, « artistes […], directeurs de salles et de festivals ont été inventifs pour trouver des solutions prophylactiques face au fameux virus ». Les streamings ont fleuri à l’envi: mieux que des objets de consolation, ils nous auront tenus en haleine – parfois ois dispensant même via écrans interposés l’émotion miraculeusement…

À LA RADIO FRANCE MUSIQUE 01/05 À 20 H Parsifal de Wagner, par L. Tézier, G. Zeppenfeld, J. Kaufmann, E. Garanca, Choeurs et Orch. de l’Opéra de Vienne, dir. P. Jordan. Enreg. a Vienne en 2021. 04/05 À 20 H Le Retour d’Astrée et Les Sybarites de Rameau, L’Amour et la Folie de Bury, par M. Perbost, J. Amzal, E. Lefebvre, C. Debieuvre, T. Christoyannis, D. Witczak, Ensemble Les Surprises, dir. L.-N. Bestion de Camboulas (photo). En direct de la Maison de la Radio. 12/05 À 20 H Concerto pour violon n° 2 de Hillborg, Symphonie n° 5 de Mahler par L. Batiashvili, Orch. philharmonique de Radio France, dir. A. Gilbert. En direct de la Maison de la Radio. 18/05 À 20 H Sonates pour violoncelle et piano nos 2…

Je connais une femme qui murmure à l’oreille des chevaux et qui en a fait ses confi-dents intimes: après avoir été incendiée d’amour, elle a été bêtement abandonnée et, plutôt que demeurer une grande brûlée, elle a choisi de rester debout, de faire mille choses pour exister, avant de se retirer un jour chez les dromadaires avec des chevaux qui la portent et la soutiennent. Non pas qu’elle « parle le langage des chevaux » mais, mieux, elle a gagné la confiance des chevaux, a été admise dans l’intimité des chevaux, leur tendresse d’enfants apeurés et leur ardente détermination quand il leur faut courir à s’épuiser. Elle s’y est reconstruite. Au temps de son fol amour, elle était Audrey Hepburn, petit saxe dont chaque geste était émouvant, au temps de…

En ce temps où officiaient les Jochum, Mauersberger, Karajan et autres Klemperer et Richter, qui fixaient cette Passion dans le marbre de la dévotion, Harnoncourt redonna un sens à la rhétorique de la musique, à la priorité du texte, à l’intensité du drame. Il pouvait alors compter sur l’Évangéliste incomparable de Kurt Equiluz (photo), narrateur convaincu autant que plaie vive. Pour cette première version sur instruments d’époque, le chef autrichien, qui y reviendra en 1985 puis 2000 (version tout juste rééditée par Warner), refuse tout compromis et exclut les voix féminines, en solo comme en choeur. Si les chanteurs ont enfin quitté la scène de l’opéra, ils invitent à un théâtre des mots autrement plus éloquent. L’arrestation de Jésus et les cris de haine de la foule n’avaient jamais connu…

Moins célébrée et moins discutée que certaines récentes intégrales des symphonies de Beethoven, celle dirigée par Mariss Jansons semble aujourd’hui les surclasser. À la différence de nombre de ses contemporains, le chef letton ne tentait pas de revenir vers l’art des maîtres anciens, pas plus qu’il ne cherchait à faire oeuvre de nouveauté par quelque excentricité plus ou moins fondée sur l’étude des textes. Il est frappant de constater que son interprétation tient compte des intégrales réputées « musicalement informées », que ce soit du point de vue de l’instrumentarium requis ou des tempi. Pour autant, il ne bat pas en brèche les traditions et l’ensemble, d’une rare précision, ne sonne ni mince ni précipité, tout en gardant un cantabile essentiel ici. Capté en concert à Munich et pour la…

La Symphonie fantastique aura poursuivi Charles Munch pendant toute sa carrière discographique. Il l’avait enregistrée une première fois avec l’Orchestre National en 1949. En 1956, il réalisa pour RCA avec son cher orchestre américain une version dès lors considérée comme une référence, quels que soient les mérites de celles qu’il enregistrera ultérieurement à Budapest ou à Paris dans les années 1960. Qu’a donc de plus la version bostonienne? Sous la baguette de Pierre Monteux dans les années 1930, le Boston Symphony avait acquis un son « français » que l’on perçoit ici, caractérisé par de magnifiques vents (la Marche au supplice est une véritable démonstration de beau style!), des cordes légères et puissantes à la fois. L’ensemble ne sonnait jamais lourd. Ces qualités sont capitales chez Berlioz et nous valent,…

Brahms est le compositeur qui m’accompagne – ou, plus exactement, que j’accompagne – depuis ma découverte de la musique de chambre. Et ce sextuor est pour moi une de ses oeuvres de chambre les plus accomplies. Mais il faut, pour en exprimer toute la beauté, éprouver ce sentiment qui est au coeur même de la musique de chambre, ce bonheur du partage qu’on entend justement dans cet enregistrement, ce plaisir de jouer ensemble – et aussi le bonheur solaire de se retrouver à Prades au mois d’août. Sans doute y a-t-il quelques petites imperfections dans le disque, mais elles ajoutent un sel particulier, celui de la vie avec ses doutes, ses hésitations, ses suspens, son battement, ses frissons. Ce que j’apprécie aussi dans ce moment de mémoire, c’est qu’il reflète…

L’étiquette de « chopinien » ne lui plaisait guère, bien qu’il fût sorti victorieux du Concours Chopin en 1960. Aussi attendra-t-il une décennie avant d’inaugurer, par la voie des Études, une série de disques consacrée au compositeur polonais. Puis, de par sa gravure éblouissante des 24 Préludes, Maurizio Pollini confirme son immense affinité pour l’Ariel du piano, distillant dans ces pages éphémères des jardins secrets d’une poésie inouïe. De la lueur du 1er Prélude à la cadence lugubre du 2e, du souffle poignant du 6e au paysage rougeâtre de l’ultime 24e en passant par moult tableaux vivants, l’âme chopinienne est enfin rendue sous toutes ses facettes et ses paradoxes par un poète qui sait faire rimer dévastation avec consolation. Architecte musical digne de son père, Pollini se taille une place suprême…

Ô malheureuse Iphigénie: longtemps indigente, sa discographie, ignorante du ton, du style du Gluck français, entre noblesse absolue de la déclamation et plasticité impérative des lignes musicales, oubliait une tradition perdue depuis Germaine Lubin. Un live de Crespin à Buenos Aires, un studio de Gardiner ensuite, mais avec une équipe vocale étrangère au mot, ouvrirent le chemin. Puis, en 2001, à la croisée d’une carrière et d’une oeuvre, l’Iphigénie en Tauride de Minkowski apparut tel un Olympe, où le verbe quasi racinien s’énamoure de la ligne gluckiste, où l’expérience des Musiciens du Louvre acquise avec une Armide magistrale et une battue théâtrale jusqu’auboutiste autant que poétique font le drame même. Avec Mireille Delunsch, Yann Beuron, Simon Keenlyside et des choeurs d’exception, ce sont des incarnations, mieux, des émotions, et non des…

Bach et Haendel: rares sont les musiciens à s’être appropriés avec autant de naturel les styles respectifs de ces deux illustres et exacts contemporains. John Eliot Gardiner est de ceux-là. Directeur artistique du Festival Haendel de Göttingen entre 1981 et 1986, on lui doit une pléiade d’enregistrements in situ, dont cet Israël en Égypte, fruit de captations effectuées en juin 1990 entre la Stadthalle de Göttingen et le Queen Elizabeth Hall de Londres. Il s’agit du second enregistrement du chef, après celui, moins abouti, réalisé pour Erato en 1978, avec ce même Choeur Monteverdi qu’il avait fondé en 1964. S’y fait jour la conjonction de deux tours de force: l’oeuvre tout d’abord, que Haendel parvint à marquer de sa griffe lors même que dix-huit pièces sur trente-neuf sont des emprunts;…

Occasion pour Ligeti d’explorer les possibilités expressives du piano à travers de nouveaux agencements de rythmes et de résonances, ces Études pour piano sont aussi une réponse à celles de Scarlatti, Chopin, Debussy. Ces polyrythmies à l’extrême virtuosité inspirées de la musique africaine ont trouvé en Pierre-Laurent Aimard leur interprète idéal. Créateur aux côtés du compositeur de ces pièces alternant swing, proche de celui de Thelonious Monk et de Bill Evans, et tornades asymétriques, dilatations et contractions de formes virevoltantes, Aimard varie les effets tout en jouant les tempi les plus radicaux. Ses possibilités digitales invraisemblables lui permettent toutes les audaces tout en explicitant la complexité vertigineuse de Ligeti, clarté et lisibilité étant les constantes de son jeu qui fait se succéder poésie en suspens et déchaînements frénétiques. Devenues une…

Leonard Bernstein n’a dirigé qu’une seule fois le Philharmonique de Berlin, dans cette Neuvième de Mahler aux Berliner Festwochen, dont la programmation ne dépendait pas de Karajan qui a silencieusement assisté à l’événement en salle. On paierait pourtant cher pour connaître le ressenti du chef autrichien, qui polissait son instrument depuis bientôt un quart de siècle, face aux excès et à l’enlaidissement spectaculaire des Berliner, auxquels Bernstein demandait sans cesse en répétition de jouer plus cru, plus sale, plus vrai, plus proche du chevalet, selon son credo que la musique de Mahler doit être jouée à pleine intensité. Le chef américain, déchaîné en ces deux soirées d’octobre 1979, y soumet les musiciens à un traitement de choc, quasi expressionniste, littéralement hanté par la mort, pour ce qui reste le plus…

Gardiner (Decca et Archiv), Harnoncourt (Teldec) et Savall (Astrée) nous avaient révélé les Vêpres de manière « historiquement informée ». René Jacobs arrivait à point nommé pour tirer bénéfice de leurs apports musicologiques en substituant à la rectitude des précurseurs une approche plus hédoniste qui replaçait ce chefd’oeuvre sacré en perspective. Perspective éminemment théâtrale, le chef gantois l’ayant enregistré après s’être frotté aux trois opéras. Il a aussi compris que ces genres multiples sont les diverses cordes d’une même lyre. De là cette maîtrise du style par un plateau vocal inégalé. Prenez le périlleux quilisma du Duo Seraphim: six minutes paradisiaques délivrées par trois solistes en état de grâce. À quoi s’ajoutent la virtuosité contrapuntique du Nisi Dominus, le clin d’oeil malicieux à une gaillarde dans l’Ave Maris Stella, et…

Chef-d’oeuvre absolu, patrimoine de l’humanité, ce sublime Requiem a besoin de ferveur pour restituer sa nudité suppliante: c’est ce que lui offre Bruno Walter, à 80 ans. La lumière radieuse qui baigne tout cet enregistrement, ce message spirituel palpable dans chaque parcelle de son, la voix limpide d’Irmgard Seefried, les ombres de celle de Jennie Tourel, le timbre de lune et de lait de Léopold Simoneau, tout est réuni pour dire cette rencontre intime, ce chuchotis de bord de tombe. Bruno Walter, sans effet superflu, impose une pulsation qui est comme une radiographie de son propre coeur, avec ses accélérations, ses bouffées brûlantes, ses contemplations: on y est aspiré par une force inexorable qui prend aux épaules, cette vie intérieure, cette palpitation de l’âme, cette transfiguration de la vie et…

Réalisé dans la foulée de la création française de juin 1957, cet enregistrement a grandement contribué à faire apprécier l’opéra de Poulenc, bientôt reconnu internationalement comme un authentique chefd’oeuvre. Les dimensions spirituelles et dramatiques trouvent un juste équilibre sous la direction de Pierre Dervaux, autour duquel sont réunis des chanteurs qui accordent tous un soin extrême à la parfaite intelligibilité de la langue somptueuse de Bernanos. Interprète de prédilection du compositeur, Denise Duval transcende ses moyens assez limités en proposant une incarnation hallucinante de son héroïne habitée par la peur. En Mme Lidoine, Régine Crespin rayonne de bienveillance maternelle, magnifiée par une voix à son zénith et une incomparable élégance du phrasé. Deux tableaux constituent des moments d’anthologie du théâtre lyrique du xxe siècle: la troublante scène d’agonie de Mme…

C’est par une troublante coïncidence qu’Alfred Deller boucle la boucle. Il enregistre en effet en mars 1979 dans une chapelle des Alpes-de-Haute-Provence, avec des artistes qu’il connaît à peine, Music for a While et If Music be the Food of Love. Ces deux airs de Purcell avaient marqué, très exactement trente années auparavant, ses débuts au disque, aux studios d’Abbey Road à Londres. Il faut d’ailleurs impérativement connaître ces premières gravures, réalisées à l’origine pour His Master’s Voice en 78 tours, pour comprendre l’injustice du don. Le temps et une vie bien remplie ont certes modifié, épaissi, fragilisé même la voix, mais cette fêlure participe à une émotion incommensurable. L’ange des débuts a rogné ses ailes, gommé son aigu, mais, descendu sur terre, il n’a rien perdu de son éloquence…

Dix ans après une intégrale des symphonies à Amsterdam, Nikolaus Harnoncourt continuait ses recherches en concert à Berlin. Bien au-delà d’un instantané de l’art des interprètes, ce coffret témoignant d’une rencontre exceptionnelle constitue une pierre blanche dans la discographie schubertienne. Du côté du chef, on relève des tempi apaisés et un discours moins séquentiel faisant place à la continuité or ganique de ces pages. Les phrasés se font tendres et ne cherchent plus les contrastes à tout prix. Du côté de la formation, la solennité hiératique qui empâtait les intégrales anciennes laisse la place à une ductilité qui émerveille, en particulier au sein de la petite harmonie et des cors, sans que la richesse des timbres qui a fait la renommée de l’orchestre ne s’évapore, au contraire. L’ensemble porte très…

Quand John Culshaw et sa team accaparèrent les Wiener Philharmoniker au début des années 1950, Mozart s’imposa, puis le Rosenkavalier. Krauss venait de disparaître, ce serait donc Erich Kleiber, opposant historique aux nazis, qui l’enregistrerait après l’avoir dirigé des deux côtés de l’Atlantique. « Not an easy man », notait Culshaw dans son journal. L’orchestre en sut quelque chose, qui trouva ses parties annotées par le chef, et dut « désapprendre » ce que la tradition y avait embrumé. La lettre revenait, le théâtre mordant de l’acte II saillait, mais le style demeurait dans une troupe de chant que tout Vienne célébrait, Reining perpétuant la Maréchale de Lehmann, Gueden donnant une âme à Sophie, Weber faisant Ochs bonhomme, Dermota tirant son Chanteur italien vers Mozart, tous entourant l’Octavian-Chérubin de Jurinac,…

Au cours de la folle aventure du disque classique, l’arbre Mercury Living Presence, avec ses prises de son expérimentales, a donné quelques fruits pour le moins acidulés. On peut rejeter l’impact très frontal et l’esthétique assez sèche des sessions réalisées sous l’égide de Wilma Cozart et Robert Fine, mais force est de constater que les époux ont su s’entourer de chefs décapants pour que l’immersion soit totale, au point d’avoir l’impression d’être au coeur de l’orchestre, sur le podium même du chef. Après les tâtonnements de la mono, le tournant des années 1960 voit triompher la stéréo. Emblématique, ce Sacre du printemps supersonique sous la houlette d’Antal Doráti, anguleux, nerveux et sanguin, qui parcourt le ballet complet de Stravinsky en passant sous la barre symbolique de la demi-heure. En germe…

On ne manquait pas de Tristan historiques en 1982: de Furtwängler, mythique, à Böhm, tendant l’arc de la vision sculpturale de Wieland Wagner, sans compter les live tardivement publiés de Beecham, Reiner et Kleiber – Erich, le père – sublimés par Flagstad, Melchior ou Svanholm, et jusqu’à Karajan, en 1952, avec Vinay et Mödl, offrant une ère et des voix dramatiques nouvelles. Aux années 1970, il fallut composer avec des voix usées, ou moins vertigineuses. Carlos Kleiber – le fils – en fit les frais à Bayreuth, Vienne, Milan, tout en offrant déjà la plénitude d’un son chambriste, transparent, repris de La Walkyrie de Karajan. Quand il porta enfin sa leçon au studio, il eut avec Dresde, subjugué, la phalange idéale pour sa leçon instrumentale, et sut justifier une distribution…

T ous les participants au disque l’ont proclamé: pour eux, c’était une séance comme une autre. Pour nous, les cinq morceaux gravés ce jour-là possèdent pour longtemps la fulgurante et sereine évidence de la respiration même du monde. Une réverbération particulière conférant à la musique une couleur sonore unique, presque irréelle, une séparation des canaux autorisant l’écoute renouvelée et attentive de chaque instrument. C’est le disque de jazz de ceux qui n’en ont qu’un. Depuis plus d’un demi-siècle, tout a été dit sur « Kind of Blue ». Pas de tempo rapide, pas de morceau de bravoure, une sorte de noire beauté évoquant la splendeur des reines africaines de légende. Un miracle offrant l’un des visages possibles de la perfection en musique.…

Le 30 mai 1971. Fête de la Pentecôte. Comme chaque dimanche, Marcel Dupré, 85 ans, ancien directeur du Conservatoire, commandeur de la Légion d’honneur, membre de l’Institut, se rend à Saint-Sulpice pour y accompagner la grand-messe. Réfléchit-il durant les quinze minutes de trajet séparant Meudon de Montparnasse à la manière dont il paraphrasera le « Veni Creator » et l’« Alléluia » pascal? De ce dernier, il fait le thème de sa sortie, vigoureuse marche solennelle sur le tutti de Cavaillé-Coll. L’office fini, sans doute Dupré salue-t-il quelques admirateurs et autres rats de tribune avant de regagner sa villa. L’après-midi, il était mort. Une pluie d’hommages à sa mémoire s’abattit sur-le-champ. Elle était à la hauteur de l’influence qu’il exerça sur le monde de l’orgue et la vie musicale de…

1 MAURIZIO POLLINI DG 1985 Il y a tout ici, de la tristesse à l’extase réunis en un voyage bouleversant. Le piano a pris corps, celui de Schubert, qui parle à travers Pollini. 2 MITSUKO UCHIDA Philips 1997 La pianiste a l’art et la faconde. Elle lit Schubert à coeur ouvert et nous le restitue avec grâce, humilité et un lyrisme galvanisant. 3 PAUL LEWIS Harmonia Mundi 2011 Si l’Allegro assai déroute, les deux autres pièces charment, voire émeuvent en restituant le souffle schubertien avec une belle sensibilité. 4 MARIA JOÃO PIRES DG 1997 Quelle impétuosité mêlée de profondeur! C’est vivant, ardent mais on perd peu à peu Schubert pour ne plus percevoir que Maria João Pires. 5 BERTRAND CHAMAYOU Erato 2013 L’exaltation romantique est bien présente mais parfois un…

Savez-vous qu’un gang de philosophes a tenté de flinguer la musique et les musiciens? Ces malfrats ont commencé leurs ravages au XIXe siècle, armés de fusils à concepts et de baïonnettes à idées. Comme ces costauds impressionnaient, on les a pris pour des sauveurs, alors qu’ils étaient des tueurs. Leur charisme noir engendra des disciples à foison, ces multiples bandes qui ont prospéré au XXe siècle, dont les cliques interviennent non moins de nos jours. Comment appeler ce gang? Rétrospectivement, je les nomme les philosophes de l’histoire. Hegel, Marx, Comte, Spencer ont chacun affirmé que l’Histoire n’avançait pas au gré du hasard, des circonstances ou des décisions, mais qu’elle possédait un sens inhérent. Selon eux, une force immanente, irrésistible, sourde, meut nos esprits et nos sociétés. Tout ce qui advient…

En janvier 2015, il avait refusé d’assister à l’inauguration de son oeuvre, dénonçant alors le mépris manifesté à l’égard de l’architecture et de l’architecte du « plus important programme culturel français de ce début de siècle ». Jean Nouvel vient d’obtenir l’ouverture d’une information judiciaire contre la Philharmonie de Paris pour « favoritisme, prise illégale d’intérêts, détournements de fonds publics, concussion, faux et usage de faux ». La désignation d’un juge d’instruction répond à une plainte déposée en octobre 2019 et couronne la série de bonds et rebonds houleux qui ponctuent depuis six ans le dossier non résolu entre les deux parties. Alors que l’architecte réclamait des travaux modificatifs pour vingt-six lieux de non-conformité à l’ouverture de la salle, la Philharmonie de Paris adressait en 2017 une facture de 170,6…

C’était jeudi 25 mars à l’auditorium de la Maison de la radio, sans acclamations dans la salle mais en diffusion numérique: Vincent David (photo) a remporté le Grand Prix lycéen des compositeurs avec sa pièce In Pulse pour saxophone alto, piano, contrebasse et batterie. Le Prix des professeurs est revenu à Benoît Menut, récompensé pour les trois pièces issues de son disque Les Îles, avec soprano, violon, violoncelle et piano. Destiné à diffuser la musique contemporaine en milieu scolaire, encourager les jeunes à découvrir les compositeurs d’aujourd’hui, et multiplier les rencontres avec ces derniers, l’événement créé en 2000 a élargi son objectif en s’ouvrant aux collégiens de troisième. Les compositeurs en lice (nos deux lauréats ainsi que Franck Bedrossian, François-Bernard Mâche, Bérangère Maximin et Frédéric Pattar) ont échangé avec des…

Ça reste en OFF Peut-être vous a-t-il éblouis au coeur de l’Orchestre de Paris, en star du Prélude à l’aprèsmidi d’un faune ou lors d’un splendide solo dans Le Chant de la Terre… mais c’est avec son bagout et sa voix seuls que le flûtiste Vicens Prats a célébré la Saint-Valentin, entouré par des musiciens de la phalange parisienne dans un medley de circonstance. En marge de leurs prestations anonymes dans la grande salle de la Philharmonie de Paris, les membres du collectif se structurent en formations réduites dans le décor du restaurant La Petite Halle pour proposer des arrangements décalés du petit ou grand répertoire. Ne manquez pas la fraîcheur et l’humour de ces courtes capsules présentées sur la chaîne You-Tube du OFF L’HABIT NE FAIT PAS le moine…

LE MAGAZINE BRAHMS par Wilhelm Furtwängler et l’Orchestre de la NDR de Hambourg 1 • Symphonie n° 1: Un poco sostenuto. Allegro 14’49 Extrait du CD Tahra FURT 2010 SCHUBERT par Maurizio Pollini 2 • Klavierstück D. 946 n° 1: Allegro assai. Andante. Tempo I 8’54 Extrait du coffret Deutsche Grammophon 474 613-2 PERGOLESI par Lucile Richardot, l’Ensemble Resonanz et Riccardo Minasi 3 • Stabat Mater: « Fac ut portem Christi mortem » 3’55 Extrait du CD Harmonia Mundi HMM902637 LES CHOCS DU MOIS SCHUMANN par le Trio Karénine 4 • Six pièces en forme de canon op. 56 (transcription de Theodor Kirchner): Mit innigem Ausdruck 3’44 Extrait du CD Mirare MIR554 RAMEAU par Justin Taylor 5 • Pièces de clavecin (1724): Les Cyclopes 3’19 Extrait du CD Alpha 721 MOZART par les membres de…

www.france.tv/spectacles-et-culture/ Oratorios de Pâques et de l’Ascension de Bach, par C. Scheen, P.-A. Bénos-Djian, Z. Wilder, B. Arnould, Le Banquet Céleste, dir. D. Guillon. Enreg. à Rennes en 2021. L’Oiseau de feu de Stravinsky, par Orch. de Paris, dir. G. Káli. Enreg. à la Philharmonie de Paris en 2020. www.arte.tv/fr/ Carmen de Bizet, par S. d’Oustrac, M. Fabiano, E. Dreisig, M. Todd Simpson, Orch. de Paris, dir. P. Heras-Casado. Enreg. à Aix-en-Provence en La Traviata de Verdi, par N. Dessay, L. Tézier, C. Castronovo, A. Scarabelli, London Symphony Orchestra, dir. L. Langrée. Enreg. à Aix-en-Provence en 2011. Maria de Buenos Aires de Piazzolla, par S. Sbonnik, A. Guyot, A. K. Rossi, Orch. La Grossa, dir. N. Agulló. Enreg. à Strasbourg en 2019. www.operavision.eu La Voix humaine de Poulenc et L’Heure espagnole de Ravel, par T. Dekrmanjian, G. Ragon, R. Estèves,…

Que se cache-t-il dans l’obscurité des familles? Des silences, des mensonges, des trahisons et, niché comme un diable dans les plis des dénis, l’omniprésent désir, le sexe qui, toujours, mène la danse. Un petit prince blond, symbole de l’innocence, en proie à des terreurs nocturnes, voit en songe une sombre créature féminine – le double de sa propre mère? – lui arracher la fillette qu’il aime et lui en imposer une autre, née de l’union adultère de son père avec la ravisseuse… Par ce bref prologue à son ballet intitulé Lac, réécriture du mythique Lac des cygnes présentée au Grimaldi Forum à Monaco (en partie ouvert grâce à des mesures sanitaires appropriées), Jean-Christophe Maillot, directeur du ballet de Monte-Carlo, nous avertit: nous allons descendre au fond des oubliettes, explorer l’inconscient…

Glenn Gould mourra quelques semaines après la parution de ce disque en août 1982 et plus de deux millions d’exemplaires seront vendus dans les vingt années suivantes. En 1955, le pianiste canadien avait signé une première version qui marquait les débuts de sa collaboration ininterrompue avec son éditeur Columbia, devenu plus tard Sony. À l’insolence digitale d’un pianiste d’à peine 23 ans qui dactylographie son impatience, répond la réflexion d’un maître reclus dans son studio comme dans un laboratoire. La nouvelle technologie numérique lui permet d’expérimenter le montage sans entraves et de dessiner au millimètre près les plans sonores sur son piano Yamaha. Douze minutes séparent les deux interprétations. Le tempo, plus lent, non par prudence mais par volonté de radiographier la partition pour passer de l’autre côté du miroir,…

Avant la parution de la Messe en si de Brüggen en 1990, le choix du mélomane était ardu, l’oeuvre mélangeant ors brillants du rite catholique et intimité luthérienne pouvant s’accommoder de la pompe romantique ou d’un geste musical historiquement informé. Un peu d’histoire… Avec le manifeste fracassant d’Harnoncourt en 1968, la fresque se pare de vives couleurs, la piété cérémoniale des Klemperer, Karajan, voire Richter fait place à une prière fervente soutenue par une rhétorique instrumentale convaincante. En 1985, le niveau technique sur instruments anciens a atteint un tel degré qu’il est tentant de faire valoir une palette sonore rutilante et une pulsation athlétique. Gardiner choisira cette voie, d’autres (Herreweghe, 1988) préféreront un sfumato plus propice au sentiment poétique. Le concert capté à Utrecht propose une expérience d’une qualité singulièrement…

Des pianistes donnaient de loin en loin l’intégrale des sonates de Beethoven en concert – dont Édouard Risler, si prisé du public allemand –, mais c’est à Artur Schnabel que revint l’honneur d’être le premier à toutes les graver sur 78 tours, pendant qu’Edwin Fischer enregistrait, lui, Le Clavier bien tempéré de Bach. Les mélomanes pouvaient enfin écouter les trente-deux à la maison, quitte à se lever toutes les quatre minutes pour changer de face. Enregistrée sur un Steinway, cette première intégrale sera ce phare qui guide encore et toujours les pianistes en raison de l’originalité des conceptions de Schnabel, de ses tempi, étonnamment souvent fort vifs ou fort lents, de sa maîtrise intellectuelle et de l’apparente spontanéité d’un geste instrumental qui jaillit sans entrave. Jamais le musicien ne surligne,…

Àl’origine, Walter Legge, directeur artistique, avait sollicité Herbert von Karajan et Maria Callas mais, le chef et la diva s’étant brouillés, le projet tomba à l’eau. Il fut cependant repris en 1958 sous la direction de Sir Thomas Beecham, déjà octogénaire mais spécialiste incontesté de musique française, avec Victoria de Los Ángeles (Carmen), Nicolai Gedda (José), Janine Micheau (Micaëla) et Ernest Blanc (Escamillo), ainsi que des seconds rôles, tous français. Les chanteurs français se sentent chez eux et les deux vedettes internationales possèdent admirablement le style adéquat, et notamment la diction. Victoria de Los Ángeles en particulier se refuse à toute espagnolade et à l’oeillade aguicheuse, encore fréquente à l’époque. Elle atteint la vérité de son personnage par des seuls moyens musicaux. Mais en fait, c’est toute la distribution qui…

Hambourg, 27 octobre 1951. L’ingénieur du son favori de Furtwängler, Friedrich Schnapp, est présent à la Musikhalle pour capter le dernier concert du maestro avec l’Orchestre de la Nordwestdeutscher Rundfunk, beaucoup plus lumineux que ses Berliner Philharmoniker. Au programme, les Variations sur un thème de Haydn, le Double Concerto (non publié) et la Première Symphonie, partition brahmsienne fétiche du chef allemand. Si le seul Finale rescapé du 28 janvier 1945 témoigne, au vu des circonstances, d’une furia indescriptible, et si le concert de février 1952, lui aussi à Berlin, va presque aussi loin que la présente archive en matière de recréation de la partition, la puissance titanesque de la conception est à nulle autre pareille dans la cité hanséatique en cet automne 1951. Quiconque a entendu le déluge sonore de…

Aau sein d’une discographie de haut vol marquée par la version des Beethoven, à fleur de peau (Doremi), celle des Danel, moderne et contrastée (Alpha), et celle des Jérusalem, bouillonnante et engagée (HM), l’intégrale des quatuors à cordes de Chostakovitch par les Borodine reste indétrônable depuis 1983. Est-ce dû au fait que l’ensemble eut la chance de travailler ces oeuvres sous la direction de leur compositeur? Du Quatuor n° 1, oeuvre printanière obéissant aux lois du réalisme socialiste, au Quatuor n° 15, écrit par un homme confronté aux affres de la maladie, les archets monolithiques des Borodine refusent toute séduction inutile et vont droit à l’essentiel pour raconter la censure, la révolte, la guerre et la mort. Leurs arêtes saillantes et leur contrepoint dénudé, leurs couleurs de béton, leur ton…

Avec cette production mythique de 1963, s’achève en beauté le long règne de Carl Ebert, directeur artistique du Festival de Glyndebourne depuis 1934. À 40 ans passés, Denise Duval se voit confier le rôle de Mélisande dont elle brosse, sur les conseils avisés de Francis Poulenc, le portrait d’une femme envoûtante et non celui d’une créature évanescente à la Irène Joachim. À ses côtés, Hans Wilbrink campe un Pelléas à la fois tendre et ardent. Le Golaud inimitable de Michel Roux demeure ce géant ombrageux consumé peu à peu par sa folle jalousie. Le reste de la distribution frôle la perfection. La direction tout en nuances et en textures de Vittorio Gui, chef admiré dans sa jeunesse par le compositeur, épouse exactement la prosodie singulière de cet opéra et ouvre…

Incandescence, densité et tension font la version du légendaire duo Ferras/Barbizet qui élève les deux Sonates pour violon et piano de Fauré sur des cimes raréfiées. Enregistrées en 1960 salle Wagram par deux musiciens fusionnels, passionnés et inspirés, ces pages composées à quarante ans de distance, d’une perfection formelle accomplie, trouvent ici une réalisation somptueuse. À l’élan juvénile de l’Opus 13, d’une intensité et d’une dimension poétique saisissantes, répond la fêlure d’une interprétation touchée par la grâce. La brûlure de l’engagement de Christian Ferras, aux phrasés amples et libres de ton, se fond dans le piano rayonnant, lumineux et jubilatoire de Pierre Barbizet qui sait ménager des instants de beauté pure, y compris dans les canons subtils et les contrepoints les plus arachnéens. L’espoir, la joie et la spontanéité de…

Herbert von Karajan a révo lut ionné le disque: il a su composer ses enregistrements au-delà de la compréhension dramatique des oeuvres, en accordant une prééminence à l’orchestre, au son, à la sonorité des instruments qu’il marie avec les voix pour qu’elles s’y fondent. Ainsi, dans ce disque, tout semble calculé au millimètre pour produire une émotion sensuelle, celle des voix sublimes de Schwarzkopf, Merriman, Simoneau, portées par les cordes soyeuses de l’Orchestre Philharmonia. C’est un art d’alchimiste qui emporte dans un univers magique, où tout se répond, nous enveloppe comme le fait un parfum. J’ai chanté avec les plus grands chefs, je suis mariée à un chef, je sais ce que chacun peut révéler d’une chanteuse, comment l’inflexion des violoncelles ou la caresse des bois peut m’aider à faire…

Mahler meurt le 18 mai 1911, quelques semaines avant son 51e anniversaire, sans avoir entendu cette partition qui est peut-être son ultime chef-d’oeuvre. Pas plus qu’il n’entendra la Neuvième Symphonie ou la Dixième, la création la plus récente d’une de ses oeuvres (la Symphonie n° 8) remontant à septembre 1910. Tout naturellement, sa veuve Alma se rapprochera du disciple et ami, le chef d’orchestre Bruno Walter, pour créer Das Lied von der Erde à Munich, le 20 novembre 1911 – puis la Neuvième à Vienne l’année suivante. Depuis quelques années, il est devenu de bon ton de faire la fine bouche devant le classique de Walter pour Decca en 1952, pour ses chanteurs essentiellement. Et pourtant… À mi-chemin du bonze philosophant sur la montagne et d’un Hérode triste, Julius Patzak…

En 1952, produire un Boris Godounov de studio s’avérant une entreprise dispendieuse, Walter Legge décide d’attribuer plusieurs emplois à certain(e)s de ses chanteur(se)s. Boris Christoffse voit ainsi confier les rôles de Boris, de Pimène et de Varlaam… choix controversé qui suscite néanmoins l’admiration. Car usant d’une technique vocale caméléonesque, la basse bulgare parvient à caractériser chaque personnage, rendant ainsi imperceptible ce procédé artificiel. L’autre star du disque, c’est le jeune Nicolai Gedda, qui, après avoir ému le célèbre producteur durant le casting, compose le plus parfait Grigory de toute la discographie. Issay Dobrowen, chef vigoureux et dévoué à un ouvrage dans lequel il a accompagné Chaliapine et dont il a dirigé la première représentation en Allemagne, exploite à des fins dramatiques la verdeur du choeur et les typicités de l’orchestre,…

Il n’est pas question d’oublier les séries de Casadesus, Fischer (Annie et Edwin), Gieseking, Kempff, Schnabel et Serkin, ni les intégrales avec orchestre de chambre, à partir des années 1960, de Lili Kraus, Anda, Barenboim, Perahia et Schiff. Pas plus que Christian Zacharias qui entreprit un premier cycle avec différents chefs et orchestres (EMI, 1981-1990). Mais quand il revisite la quasi-intégralité des concertos (il abandonne les quatre premiers, à peine de Mozart, et les deux pour plusieurs claviers), il instaure un dialogue nouveau entre le soliste et l’orchestre. Les deux partenaires parlent enfin la même langue, déliée, articulée, contrastée, vive. On quitte la douceur sucrée des bonbonnières et l’épaisseur post-romantique des symphonies pour s’aventurer dans un univers à la fois plus clair (la netteté des plans, la précision du jeu…

Alexandre Nevski est une poupée russe. Le premier est un prince de Novgorod, héros national qui repousse une invasion teutonne au xiiie siècle. Le second est un film: en 1938, deux Sergueï, Eisenstein et Prokofiev, réalisent un portrait cinématographique du héros. Le troisième est une cantate profane, l’adaptation de la bande originale que Prokofiev avait écrite pour l’homme à la caméra. Cet enregistrement tient la dragée haute à celle historique et de référence de Svetlanov (Melodiya, 1967). À la tête de l’une des meilleures phalanges du monde, Claudio Abbado tisse un récit plein de relief et fait rayonner la virtuosité orchestrale de Prokofiev. On écoute en boucle le fracas époustouflant de la Bataille sur la glace laissant place à la désolation et à la voix lugubre d’Elena Obraztsova explorant un…

Dès la victoire de Van Cliburn au Concours Tchaïkovski de 1958, la firme américaine Mercury entra en négociation avec les autorités soviétiques en vue de réaliser des enregistrements à Moscou avec du matériel et des ingénieurs américains. En dépit du dégel des relations entre les deux pays, ce n’est qu’en 1962 que ce projet fou pour l’époque se concrétisa grâce à une tournée du pianiste américain Byron Janis qui revenait en pays déjà conquis. Machines et personnels furent donc dépêchés dans la grande salle du Conservatoire Tchaïkovski. Le résultat de ces sessions est un miracle de transparence où le piano sonne rond et précis, sans être détaché de l’acoustique générale de l’orchestre. Le Premier Concerto de Rachmaninov trouve ici une réalisation d’une éloquence inouïe sans afféterie. En France, ce disque…

Alfred Cortot et l’élève de Clara Schumann, Fanny Davies, avaient donné du Concerto de Schumann des interprétations inspirées, d’un romantisme fiévreux, dont ces illustres pianistes étaient les dépositaires. Haskil et Novaes en étaient les championnes en public, mais n’étaient pas encore entrées en lice au disque, et voici que Dinu Lipatti l’enregistrait en 1948. Âgé de 30 ans, le Roumain donnait un nouveau visage à ce concerto, pas moins romantique, pas moins chaleureux, mais rayonnant d’un élan vital, quasi joyeux, neuf comme au premier jour. Choisi par la Fondation Lipatti pour jouer l’Opus 54 pour le centenaire de la naissance du pianiste, Nelson Freire dira que « Lipatti est un révolutionnaire qui a réinventé ce concerto en imposant pour toujours le point de vue masculin de cette déclaration d’amour du compositeur…

De Vladimir Horowitz, Martha Argerich dit: « Il est la meilleure chose qui soit arrivée au piano. » Mais Arturo Toscanini et son gendre sont-ils la meilleure chose qui soit arrivée à ce concerto? Oui: car la direction sans aucun alanguissement et en mesure du maestro débarrasse cette oeuvre de la pompe grandiloquente qui la rend vulgaire, tout en offrant, voire imposant, au pianiste un cadre dans lequel il s’ébroue avec une fulgurance jamais entendue avant lui (et quasi plus jamais ensuite, à part Argerich, Freire ou encore Janis) et chante avec une éloquence que de multiples écoutes ne peuvent épuiser. Non: car beaucoup de pianistes tireront de ce disque de 1941 la détestable tradition de tempi rapidissimes et d’octaves fracassantes qui fait que ce concerto est si souvent mal…

Be ethoven, le Numéro 5, dit « L’Empereur », une terrible nuit berlinoise: quand la grâce seule survit dans l’obscurité. Un enregistrement qui n’a pas fait l’histoire mais qui est l’histoire. Walter Gieseking, bien que né lyonnais, avait, en 1939, choisi le « camp du père », l’Allemagne, afin d’y jouer, à l’instar de Furtwängler, Karajan, Mengelberg et quelques autres. Il fait donc partie de ces « soldats perdus » que le mirage du nazisme aura entraînés au fond d’un abîme de rouge et de noir. Ce chaudron épouvantable, sombre et rougeoyant, qu’était la capitale allemande ces soirs de 1944, et le combat terrifiant et laborieux d’un peuple, alors ennemi du monde, pour sa propre survie, rendent encore plus fulgurante l’apparition du génie humain, posé là, comme imperturbable, au milieu…

Le réchauffement et le dérèglement climatiques ne faisaient pas l’actualité il y a presque trente ans et ces Quatre Saisons en ont surpris plus d’un. Nikolaus Harnoncourt et son épouse Alice, violoniste, avaient pourtant perturbé les eaux de la lagune dès 1976 (Teldec) et Fabio Biondi et L’Europa Galante érigé un superbe théâtre en pleine place Saint-Marc (Opus 111, 1991). Aucun ensemble cependant n’avait osé agiter aussi obstinément le thermomètre et créer de telles amplitudes thermiques. Il faut dire que les musiciens virtuoses du Giardino Armonico ne ménagent pas leurs efforts pour faire entendre ce que les sonnets de Vivaldi, en marge de la partition, écrivent: le chant des oiseaux, le murmure des fontaines, l’aboiement du chien, le son entêtant de la musette, le vrombissement des bourdons, la torpeur du…

Pour rendre mon isle la plus joyeuse possible, j’aurais plutôt beaucoup de partitions à lire. Mais j’écouterais volontiers « In my Room » de Jacob Collier. Cette pure merveille de 2016, d’un jeune homme de 22 ans à l’invention et à la virtuosité tout simplement époustouflantes, me fascine depuis la première écoute. Doté d’une oreille parmi les plus accomplies et parfaites (il chante avec une aisance confondante les microintervalles), un sens du rythme extrêmement développé (essayez de battre la mesure dans Woke up Today!), il possède une rare maîtrise de l’harmonie et ose des accords à vous faire dresser les cheveux sur la tête. Mais toutes ces qualités, aussi merveilleuses et exceptionnelles soientelles, ne seraient rien si sa musique et le naturel qui s’en dégage n’étaient pas pour nos oreilles…

PRÉLUDES ET FUGUES OP. 7, CORTÈGE ET LITANIE, VARIATIONS SUR UN VIEUX NOËL, SYMPHONIE-PASSION Pierre Cochereau Solstice Dans cet enregistrement de référence, Pierre Cochereau interprète aux grandes orgues de Notre-Dame les plus célèbres oeuvres pour orgue de son maître. Un excellent aperçu de l’art de Dupré et de ses magistraux élans d’inspiration. LE CHEMIN DE LA CROIX Rolande Falcinelli Solstice OEuvre chère au coeur de Dupré, Le Chemin de la Croix est issu d’une improvisation de concert sur le texte de Paul Claudel. Capté ici en live, aux grandes orgues de Notre-Dame de Paris, sous les doigts de l’une des plus fidèles disciples du maître. L’OEUVRE POUR PIANO François-Michel Rignol, Lorraine Lacaze, Marguerite Dupré, Pierre Cochereau Solstice Pianiste virtuose, Marcel Dupré a laissé à son premier instrument un corpus attachant,…

Avant de sonner au 60, rue de Monceau, Charlotte arrange les plis de sa robe, ajuste son chapeau qui la gêne. Décidément, ces cachepoussière censés permettre à la tête de bouger avec plus d’aisance ne conviennent pas à son visage ovale. Annoncée par un domestique moustachu aux manières compassées, Charlotte se hâte de rejoindre le salon de musique, au deuxième étage, où l’attend la maîtresse des lieux comme tous les vendredis. Dans cette pièce lumineuse qui donne sur le jardin, le soleil de l’après-midi découpe des ombres mouvantes sur l’acajou verni du grand piano de concert de la maison Pleyel, qui occupe presque tout l’espace. Charlotte se laisse souvent distraire par le tableau qui lui fait face. Le mari de sa professeure, Albert Domange, a fait fortune dans le commerce…

Au crépuscule de sa courte vie, Schubert se jette dans une production foisonnante, conscient de son destin, même s’il se projetait résolument vers l’avenir. Voulant étoffer une série d’Impromptus, il confie au papier trois Klavierstücke en mai 1828, formes moins ambitieuses que les ultimes sonates pour piano écrites en parallèle, mais portant tous les traits de son génie – élan romantique, lyrisme inouï, harmonies en clair-obscur. La première pièce, un Allegro assai bouillonnant, forme un binôme exquis avec le chant confidentiel de la deuxième, un Allegretto. Quant au dernier Allegro, le folklore et la vitalité font éclore une joie de vivre aux couleurs chatoyantes. Schubert quitte le monde six mois plus tard, laissant ces oeuvres inédites à des générations qui sauront les sublimer.…

Par une matinée de mars froide et humide, la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton nous reçoit chez elle, dans un immeuble situé en face du parc de Belleville, à Paris. Malgré le masque, on devine un sourire accueillant. L’ondée a laissé place à un grand soleil et l’appartement, moderne et coloré, est des plus lumineux. Les pièces sont ouvertes les unes sur les autres et, partout, des étagères de livres tapissent les murs. Les portes coulissantes en bois, les quelques plantes vertes et les tapis rouges confèrent au lieu un climat apaisant. Sonia Wieder-Atherton habite cet appartement depuis environ six ans, après avoir vécu dans l’immeuble d’en face, mais aussi rue Henri-Chevreau et rue Pixérécourt. « Je fais la ronde du vingtième, s’amuse-t-elle en nous servant une tasse de café. Ce qui…

Apr ès Sze ll (106 CD) et Walter (77CD), Sony renchérit et propose, dans ce coffret Ormandy, pour la première fois, la totalité des gravures monophoniques réalisées pour CBS (1944-1958, dont 152 enregistrements inédits en CD). C’est l’occasion de réévaluer un chef souvent considéré comme de seconde zone, accompagnateur prolifique attiré avant tout par les billets verts. « Eugene Ormandy The Philadelphia Orchestra The Columbia Legacy » Sony Classical 19439757482 (120 CD). 1944-1958 La quantité dépasse certes l’entendement: ces 120 CD ne représentent qu’un tiers de son legs de studio, entamé pour RCA à Minneapolis (1934-1935) puis déjà Philadelphie (1936-1942). Sans compter la période Columbia stéréophonique (1957-1968), le retour chez RCA (1968-1980), les enregistrements tardifs pour EMI (1978-1981), Delos (1981) et l’ultime album CBS avec Yo-Yo Ma (1982). Somme considérable.…